Carlos Saura

Uno de los errores más comunes de muchos guitarristas, es que le dedican mucho tiempo a la parte solista, y muy poco a la rítmica. El ritmo que le imprimamos a nuestras frases en un solo, es tan importante o más que las propias notas que utilicemos. En definitiva, que es imposible ser un gran solista, sin haber desarrollado un gran sentido del ritmo.

Así que dedicar una parte del tiempo de practica, al estudio de diferentes figuras y patrones rítmicos, es algo que nos beneficiará mucho.

Uno de los estudios que más me han aportado en este aspecto es el del Funk, cuya figura principal es la semicorchea (cuatro notas por tiempo) y jugando con combinaciones en las que hacemos sonar unas y silenciamos o muteamos (tecnica que explico mas abajo) otras, podemos obtener multitud de patrones diferentes dentro de un solo compás. El compás mas común es el de 4/4, en el que entran cuatro grupos de cuatro semicorcheas, en total 16 notas.

Lo primero que tenemos que conseguir para poder estudiar estos patrones, es ser capaces de tocar semicorcheas seguidas, encima de un metrónomo, sin que nos vayamos de tiempo. Esto lo podemos practicar muteando las cuerdas a base de apoyar ligeramente los dedos de la mano izquierda (si no eres zurdo, claro) sobre ellas. De esta forma conseguiremos un sonido seco, con el que escucharemos con mucha claridad, las pulsaciones que efectuemos con la púa, que es lo que nos interesa en este ejercicio. También es muy importante que con cada pulsación pasemos por encima de todas las cuerdas. A una velocidad de 60 bps (bits por segundo), nos sonaría así:

Una vez explicado que son los intervalos, os voy a mostrar una serie de patrones y reglas, para visualizar estas distancias sobre el mástil de la guitarra. Los patrones mas comunes son estos:

Como veis en estos patrones, está señalada la nota de partida con un circulo, y la ubicación en la que se encuentran los diferentes intervalos de segunda, tercera, cuarta, quinta, sexta, séptima y octava, con respecto a ella. La idea es memorizar estos dibujos, para que cuando tengamos que localizar un intervalo, lo podamos hacer directamente, sin tener que recurrir a contar nota por nota siguiendo la escala mayor correspondiente, hasta encontrar el intervalo deseado.

Como también podéis ver, los ejemplos que he puesto, parten todos de la sexta cuerda, pero lo podemos aplicar desde cualquier otra cuerda, excepto desde la tercera, ya que entre esta cuerda y la segunda no hay la misma relación, que entre cualquier otra cuerda y la que tiene justo debajo. Me explico, las notas de cada cuerda al aire en la afinación estándar, empezando por la sexta cuerda (la mas gorda) son:

En música llamamos intervalo, a la mas o menos separación o distancia que pueda haber entres dos notas, tonalmente hablando.

Tenemos dos formas de medir estas distancias, contando la cantidad de semitonos que hay entre las dos notas, o tomando como modelo las distancias que hay entre la primera y el resto de las notas de una escala mayor. Explico las dos formas:

Lo primero que tenemos que tener claro es que es un semitono. Pues es la distancia mas pequeña que puede haber entre dos notas (1), traducido a la guitarra seria la distancia que hay entre una nota determinada, y justo la que esta en el traste de al lado, tanto por arriba como por abajo.

Por lo tanto, una forma sencilla de ver la cantidad de semitonos que hay entre dos notas, es localizarlas en una misma cuerda y contar cuantos hay entre ellas. De todas formas, cada dos semitono que nos salgan los contamos como un tono. Si por ejemplo el numero de semitonos es de cinco, diríamos que entre esas dos notas tenemos dos tonos y medio.

Otra forma como ya he dicho, es tomando como modelo las distancias que hay entre la primera y el resto de las notas de una escala mayor. Así que lo primero que tenemos que saber es cuales son esas distancias. Si tomamos como ejemplo la escala de Do Mayor, estas son las distancias que hay entre sus notan:

Todos en algún momento hemos buscado formas de aprendernos todas las notas del mástil, entre otras cosas para poder tener todos los puntos de referencia de una nota determinada, y poder construir sobre ellos una escala en concreto, acordes, etc… Pero por lo general, los métodos que empleamos para conseguir esto, se nos hacen tan tediosos que terminamos desistiendo. A mi por lo menos me ha pasado así.

Pues bien, os voy a mostrar una forma que en su día me mostró la luz en este aspecto, la cual aprendí cuando estudiaba en el Musicians Institute.

Se trata de cinco dibujos o patrones, los cuales enlazados entre ellos nos muestran cualquier nota que queramos localizar por todo el mástil. Con la suficiente practica esto lo logramos hacer en un momento.

Estos son los cinco patrones:

En esta ocasión os voy a mostrar el análisis armónico, o sea, a la tonalidad o tonalidades que pertenecen, y el puesto ocupan, cada uno de los acordes que forman Blue Bossa, uno de los temas mas conocidos entre los músicos de Jazz. Por otro lado es uno de los primeros temas que se suelen aprender cuando nos iniciamos en este genero musical.

Para empezar, aquí podéis ver el guión armónico del tema, en el que he delimitado por zonas las tonalidades de que se compone:

Licks sobre CMaj7

En esta lección os voy a mostrar algunas frases construidas sobre el segundo acorde de la progresión II – V – I.

Como ya comente en la primera parte, este acorde es muy común alterarlo con tensiones de 9b, 9# o 5#. De todas formas estén contenidas o no algunas de estas tensiones en el acorde, todas ellas las podemos utilizar a la hora de construir frases sobre el, de hechos son notas claves para conseguir algunos de los sonidos mas característicos del Jazz.

Hay una escala que es ideal para improvisar sobre el, la Escala Alterada o Super Locria. En la lección Herramientas melódicas (quinta parte), ya hable de esta escala. Os pongo aquí la explicación que hice de ella:

Cuando analizamos temas estándard de jazz, como por ejemplo los del famoso Real Book, observamos que hay una progresión que se suele usar mucho dentro de estas composiciones, la II – V – I, tanto en su forma mayor como en su forma menor. Por lo tanto, una de las mejores practicas que podemos hacer para aprender a improvisar sobre este estilo, es dedicarle un tiempo especial al estudio de este tipo de progresión.

Para el que no sepa lo que significa esto de II – V – I, lo explico. En el lenguaje de la armonía, se utilizan los números romanos para definir el grado o la posición que ocupa cada acorde dentro de la armonización de una escala concreta, o sea, que la formula II – V – I se refiere a los acordes que salen de la segunda, quinta y primera nota, de la escala o tonalidad a la que nos refiramos. Por ejemplo, en tonalidad de Do mayor la progresión seria Dm – G – C si armonizamos con triadas, y Dm7 – G7 – Cmaj7 si armonizamos con cuatriadas.

Como dije en la segunda parte de esta lección, esta última la voy a dedicar al uso de las pentatónicas en el Blues.

Como sabréis mucho de vosotros, el vocabulario del Blues tradicional, se basa principalmente en la mezcla de la escala de blues (una pentatónica menor a la que le añadimos una 5b), y la pentatónica mayor. De hecho esto es una de las razones por la que el Blues tiene ese sonido tan característico, ya que esto de mezclar una pentatónica mayor y menor dentro de una misma tonalidad es algo casi exclusivo de este genero musical. Si, esto también lo podemos encontrar en otros estilos, principalmente en el Rock, pero por influencia directa del Blues. Bueno, hay un caso que nos podemos encontrar dentro de un contexto diatónico, un intercambio modal, aunque aquí no se mezclan las pentatónicas, sino que se sustituyen en el momento que en la progresión se utiliza este recurso armónico.

En la primera parte de esta lección, termine diciendo que sobre cada modo, disponemos de tres pentatónicas menores, o mayores, según se mire, ya que en realidad son las mismas digitaciones.

Pues si, las pentatónicas menores que salen de los modos Dórico, Frigio y Eólico son al mismo tiempo las pentatónicas mayores que sales de los modos Lídio, Mixolídio y Jónico respectivamente.

Primero voy a aclarar el concepto de como cualquier digitación que empleemos para hacer una pentatonica menor, también la podemos utilizar como pentatónica mayor. La diferencia esta en la nota que utilicemos como tónica. Os pongo un ejemplo.

Para ilustrarlo voy a tomar como modelo la digitación mas conocida y que mas se suele utilizar de la escala pentatónica. Primero la voy a mostrar como pentatónica menor, ya que es como se suele aprender en un principio, para después convertirla en pentatónica mayor.